LES ÂMES SILENCIEUSES de Johne Pogue

Les âmes silencieuses (The quiet ones) de Johne Pogue

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Merci à Cinétrafic pour l’opération « un DVD contre une critique » !

Distribué en DVD depuis le 26 mars 2015 par Metropolitan Filmexport.

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Origine : U.S.A., UK (2014) – Genre : Horreur, mystère – Durée : 01h31

Avec : Jared Harris, Olivia Cooke, Sam Claffin, Erin Richards

Résumé : Inspiré de faits réels, The Quiet Ones raconte l’histoire d’un professeur orthodoxe qui utilise des méthodes controversées et se sert de ses meilleurs élèves pour tenter une dangereuse expérience.

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AVIS : La Hammer, prestigieux studio anglais qui connu son heure de gloire de la fin des années 50 aux début des années 80, n’arrivera décidément pas à renaître de ses cendres quand on découvre cette production complètement anodine et, surtout, très éloigné esthétiquement des oeuvres qui ont fait sa réputation. Après le trop moyen mais élégant La dame en noire (2012) de James Watkins, la boîte essaye tant bien que mal avec ces Âmes silencieuses de concurrencer la production actuelle en misant à la fois sur un scénario tiré de faits réels, mais aussi sur des partis pris de mise en scène qui abusera du found footage (1) au final pas tellement nécessaire et pertinente à l’intrigue.

L’atmosphère et le ton très réaliste misent d’abord sur ces personnages. Si les quinze premières minutes permettent de plus ou moins présenter chacun des cinq protagonistes, le glas retentira dès qu’ils franchiront les portes du manoir pour faire leurs expériences paranormales sur cette pauvre Jane Harper (Olivia Cooke) souffrante de désordre mental et psychiquement très fragile et instable … forcément !

Dès le début, on devine très vite que le professeur Coupland est louche avec ses petites manières arrogantes et son discours pseudo-scientifiques et maniaco-rationnels. De plus, on apprendra aussi qu’il est très proche de son assistante Krissi ainsi que du sujet Jane Harper à qui il témoigne une affection tout à fait ambivalente et pernicieuse.

S’il m’a été impossible de pénétrer dans cette histoire dépourvue de toute accroche réelle et d’enjeux passionnants, je tente de percevoir un geste dans le récit qui essaye de semer le trouble et de développer un certain mystère autour du personnage de Jane et du professeur. Quand on découvre les liaisons secrètes de certains personnages, la jalousie et la parano parviennent à créer quelques moments de tension et, parfois, j’avoue m’être prêté au jeu en me demandant si ces relations électriques se tisseraient diaboliquement autour de l’intrigue horrifique. Avais-je raison ?

Nenni ! Si Coupland joué par l’impeccable Jared Harris (Sherlock Holmes 2, Lincoln, Madmen, etc), clairement le meilleur acteur du film, est peut être le seul de la troupe à susciter un intérêt, il est strictement impossible de suivre cette histoire complètement incohérente et illogique au possible autant dans les données des informations que dans le déroulement des événements. On verra donc la patiente soit disant dangereuse faire joujou près de la mare sans personne pour veiller sur elle (ah si, Brian, qui s’en amourache, la filme au cas ou elle tombe à l’eau !) et une scène de coupure d’électricité en pleine nuit, avec notre cinéaste en herbe qui, caméra au poing, court de l’extérieur et l’intérieur de la maison sans qu’on sache d’où il vienne et sans qu’on sache ou il aille en s’agitant de la sorte !

Finalement, c’est bel et bien cette succession affolante de mauvaises idées qui pullulent le métrage du début à la fin qui fera réellement peur ! L’autre grosse frustration, la réalisation apathique, tremblotante et hasardeuse qui ne viendra jamais relever le niveau. Johne Pogue, responsable à la fois du scénario et de la mise en scène pour la seconde fois de sa carrière (sa première expérience aux deux postes est En quarantaine 2, le bonhomme s’étant d’abord distingué en tant que scénariste … sic), compile et enchaîne les codes du genre sans jamais insuffler un quelconque malaise, ni travailler ses ambiances, la composition de ces plans ou utiliser la profondeur de champ : jamais le cinéaste ne tentera de styliser un minimum les scènes charnières qui sont censées effrayer ou bien celles qui impliquent des révélations importantes.

La seule chose qui à l’air de l’amuser, c’est de filmer des portes qui s’ouvrent, des escaliers vides dans la pénombre ou les quelques déambulations de Brian dans les couloirs de la maison … Toutes sortes d’éléments et de décors familiers qui n’apportent non seulement rien au récit, mais dont la volonté consciente et peu subtil se traduit surtout par « regarde spectateur, tu es dans un film d’horreur ! Treeeeemble ! » en ne parvenant jamais à focaliser sa caméra sur quelque chose de concret ou captivant : silencieuse ou pas, si esthétiquement il n’y a pas de corps, il ne peut y avoir d’âme. N’ayant aucune matière à laquelle nous attacher, on se rendra vite à l’évidence que le film n’a rien à montrer en plus de n’avoir rien à dire. Le final pathétique résume à lui tout seul toutes les intentions foireuses des scénaristes !

Pourtant, quand arrive la dernière partie, on imagine ce que le film aurait pu être s’il avait été confié à des gens compétents et soucieux du détail. Mélanger le côté scientifique et psychiatrique avec le fantastique n’est en soit pas nouveau, mais avec cette histoire de femme possédée confrontée à l’obsession du scientifique qui soutient mordicus que sa patiente délire simplement et qu’il n’y à rien de surnaturel dans son comportement, on entrevoit alors un potentiel inexploité et une matière intéressante à développer entre les trois personnages du scientifique aveuglé par ses travaux, de la patiente soumise et du jeune cinéaste épris de Jane.

Mais bon voilà, avec son traitement naturaliste et son recyclage mythologique, Les âmes silencieuses n’offre pas tellement de scènes vraiment chocs et c’est là finalement son plus grand défaut. La seule scène ou le premier élément horrifique fait son apparition avec cette énorme langue visqueuse et serpentine qui sort soudainement de la bouche de Jane surprend et subjugue, certes, le temps d’une seconde. Mais aucun des personnages ne semblent vraiment inquiets ou perturbés … Quand ils reviennent sur cet événement marquant la scène d’après, le bellâtre Harry ironisera en lançant un « ouais, un truc sorti de l’Exorciste ! » sans être un temps soit peu traumatisé par ce qu’il vient de vivre.

S’il plane quelque fois un parfum de mystère sur sa manière de flirter avec plusieurs genres, jusqu’à proposer une relecture presque attachante de La maison du diable (1963) de Robert Wise (mais tout en singeant allègrement L’exorciste 1 et 2 !), j’oublierais pour ma part très vite cette énième déclinaison de film de possession. Même la délicieuse et inquiétante Olivia Cooke (découvert dans le très beau mais imparfait The Signal de William Eubank), prêtant son visage lunaire et fiévreux à un personnage qui lui va à merveille, ne parviendra pas à sauver son interprétation dans cette production fastidieuse qui n’a clairement aucune personnalité.

Ayant connu un four dès sa sortie salle en Angleterre, mais tout de même sélectionné au Festival de Gerardmer 2015 (dans la catégorie Hors Compétition), Les âmes silencieuses sera directement distribué en dvd en France sans passer par la case cinéma. Finalement, seule l’une des affiches (2) permettra d’attiser notre imaginaire et d’évoquer un lot d’émotions bien supérieur à la totalité des images et des scènes du film : ça fout vraiment les j’tons quand je pense à cela, tient !

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Ecrit et publié par Mathieu Breuillon

BONUS : Bande annonce du film, Bandes annonces (Horns, La dame en noire)

– Retrouvez la chronique des Âmes silencieuses sur le site CINETRAFIC !

– Sur Cinetrafic : : le top 2015 par ici & les meilleurs films à venir prochainement.

BANDE ANNONCE :

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(1) – Genre cinématographique utilisant le point de vue subjectif, recherchant une véracité et une authenticité de l’événement via des images prises sur le vif, procédé très utilisé dans le cinéma d’horreur ces dernières années (Blair Witch, Rec, Cloverfield, etc) .

(2) – Affiche du film :

LOST RIVER de Ryan Gosling

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U.S.A. – Drame, thriller, fantasy – Date de sortie : 08/04/2015 – Durée : 01h35

Avec : Christina Hendricks, Iain de Caestecker, Saoirse Ronan, Eva Mendes, Matt Smith, Reda Kateb

Résumé : Dans une ville qui se meurt, Billy, mère célibataire de deux enfants, est entraînée peu à peu dans les bas-fonds d’un monde sombre et macabre, pendant que Bones, son fils aîné, découvre une route secrète menant à une cité engloutie. Billy et son fils devront aller jusqu’au bout pour que leur famille s’en sorte.

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LOST RIVER – on the Lost Highway …

Lost River est né dans les pensées de Ryan Gosling alors qu’il tournait Les marches du pouvoir de George Clooney courant 2010 dans la ville de Détroit. Touché intimement par les décors urbains dévastés par la pauvreté et l’histoire récente de cette ville mythique des Etats-Unis (siège de la Motown, création de la Ford-T) (1), il désirait exploiter les vibrations qu’il ressentait face à la misère sociale actuelle et l’esprit de collectivité qui en émergea soudainement après une période économique désastreuse qui secoua la ville ces dix dernières années.

Fasciné et influencé par les films mythologiques au visuel marqué dont il a souvent été le héros dans sa filmographie récente sous la houlette de N. W. Refn dans Only god forgives (2013) et Drive (2011), Ryan Gosling a fait appel au chef opérateur Benoît Debie pour créer les ombres et les lumières de la ville fantasmatique Lost River. Bien lui en a prit puisque la photographie du film est à l’image du génie de l’artiste belge qui a travaillé, rappelons le tout de même, sur Enfermé dehors (2005), Vynian (2008), Spring Breakers (2012) et surtout Enter the void (2009) de Gaspard Noé qui est le film préféré de Gosling sortit en 2010, d’ou l’envie de travailler avec lui pour sa première réalisation. Autant dire que le manque d’expérience de ce denier dans la mise en scène sera largement compensé par la créativité démentielle de Debie !

Dès les premiers plans du film, il m’a été difficile de ne pas penser au Tree of life de Terence Malick avec cet enfant au centre de toute notre attention qui arrive dans un monde qui nous semble chaleureux et bienveillant au premier abord. Si la beauté élégiaque et mélancolique des images nous invite à nous glisser dans cet univers lumineux et sensoriel, la dureté de la vie viendra très vite perturber et annihiler ce sentiment de bien être pour nous présenter enfin les enjeux dramatiques à venir.

Seulement voilà, l’atmosphère onirique traversée par ses stupéfiantes images tantôt ouatées et tantôt flamboyantes – symphonie agressive mais harmonieuse de couleurs saturées et granuleuses qui est la seule et unique attraction de ce film, dissipent et chassent toute la dimension tragique et humaine que Ryan Gosling essaye de nous raconter. La substance affective et politique de Lost River est complètement dilué dans ce maelstrom d’images extrêmement chargées, ces partis pris créant surtout une opacité à la narration et, plus grave, une imperméabilité évidente à l’émotion.

Concernant le scénario, on retrouve une mécanique un peu paresseuse et facile dans le déroulement des événements ou les personnages principaux seront victimes de leur environnement sauvage et impitoyable. Sous le joug du destin et de leur bourreaux respectifs, ils feront des choix par défaut ou par dépit afin de ne pas finir sans le sous ou sans le toi(t). Fonctionnant ainsi plus au pathos, au misérabilisme et sombrant parfois dans un manichéisme primaire, il m’a été impossible de m’attacher au parcours de chacun pour lesquels j’éprouvais très peu d’empathie.

Fantômes et pantins, ils traînent leur corps dans cette ville-monde ou ne respire aucune humanité, si ce n’est, parfois, dans quelques gestes du quotidien. Leur injectant un flegme et une désincarnation toute jarmushienne, Ryan Gosling singe inconsciemment ou imite parfois quelques cinéastes mais ne parvient jamais à composer une réalité sociale sommairement évocatrice, ni à élaborer un regard authentique et pertinent sur les liens conflictuels qu’il tisse dans cet univers : la texture de ses plans et les effets stylisés l’intéressent bien plus que le coeur même du film. Aussi magnifique et envoûtant soit il sur certaines séquences, le film ne parvient hélas ! jamais à captiver.

Le théâtre grand-guignol et ces ambiances hallucinées qui semblent être le seul défouloir des habitants est un peu à l’image du film : bourrées de bonnes intentions, truffées de brillantes idées visuelles sidérantes, glauques et baroques (avec une récurrence et un goût prononcé pour le feu et les flammes), mais ces fulgurances éphémères seront toujours évanescentes. Occupé à ériger ce séduisant écran de fumée, on a l’impression que Ryan Gosling a oublié en chemin son sujet et paraît beaucoup plus préoccupé à construire son univers plutôt qu’à cultiver l’intérêt et les impressions que la ville de Détroit lui avaient initialement inspirés. On se console donc sur le travail formidable de la direction artistique dans les décors et les maquillages, surtout les effets sanguinolents et macabres hyper réalistes qui animent le théâtre.

Si formellement on pense bien évidemment beaucoup à David Lynch par la force prégnante et symbolique de certaines compositions de plan, ce dernier invoque et distille une poésie du souvenir et un parfum de rémanence qui permettent aux séquences de se faire écho entre elles et donner ainsi une puissance émotionnelle ET cinématographique qui se trouve intacte et encore plus vivante et vivace dans nos mémoires quand le film se termine … Mais Ryan Gosling n’est pas David Lynch, et il ne faut pas attendre le quart du film pour se rendre compte qu’aucune de ses scènes n’arrivent à la cheville du maître dont il emprunte, avec le recul, beaucoup trop le langage visuel avec un maniérisme grossier pour ne pas dire agaçant qui ira crescendo.

Lost River, pensé à la fois comme un conte onirique sombre-amer et un portrait réaliste de l’Amérique, ne touchera malheureusement ni nos coeurs et ni nos âmes parce que Ryan Gosling n’a pas su donné suffisamment de matière à son histoire pour nous faire partager ainsi la détresse et le besoin d’humanité de ses personnages. Un comble vraiment ironique puisque c’était précisément cette dimension là qui l’avait motivée dans cette entreprise !

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Ecrit et publié par Mathieu Breuillon

(1) – voir Note de production sur le site Commeaucinéma.

BANDE ANNONCE :

JUPITER, LE DESTIN DE L’UNIVERS de Andy & Lana Wachowski

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U.S.A. – Action, space opera, aventure, romance – Date de sortie : 04/02/2015 – Titre original : JUPITER ASCENDING

Avec : Channing Tatum, Mila Kunis, Sean Bean, Eddie Redmayne

Résumé : Née sous un ciel étoilé, Jupiter Jones est promise à un destin hors du commun. Devenue adulte, elle a la tête dans les étoiles, mais enchaîne les coups durs et n’a d’autre perspective que de gagner sa vie en nettoyant des toilettes. Ce n’est que lorsque Caine, ancien chasseur militaire génétiquement modifié, débarque sur Terre pour retrouver sa trace que Jupiter commence à entrevoir le destin qui l’attend depuis toujours : grâce à son empreinte génétique, elle doit bénéficier d’un héritage extraordinaire qui pourrait bien bouleverser l’équilibre du cosmos …

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JUPITER ASCENDING – Un dernier désespoir …

Après avoir renouvelé le genre avec Cloud Atlas, film au concept ambitieux et radical qui transfigurait l’idée qu’on se faisait du blockbuster, je suis assez peiné de voir le duo Wachowski louper le coche avec ce space opera baroque et barré qui n’emporte jamais le spectateur dans les étoiles. Grossier, condensé et naïf dans la forme, leur imaginaire et l’amour qu’ils portent au cinéma de genre est paradoxalement sans arrêt phagocyté par la lourdeur avec laquelle ils assènent leur soit disant générosité. L’infantilité déconcertante qui découle de leur geste se synthétise autant dans la caractérisation des personnages que dans le récit explicatif à l’écoeurement dans les scènes de dialogues, rythmées, heureusement, de temps à autre par des scènes d’actions assez divertissantes qui permettent de ne pas s’ennuyer totalement.

Si les 175 millions de dollars dépensés sont bel et bien visibles à l’écran, on se demande comment les cinéastes créateurs du culte Matrix ont pu pondre un ‘truc’ aussi bancal et grotesque dans son montage et prévisible et soporifique dans son écriture. Si les premières vingt minutes posent les bases de l’histoire à venir, on sera hélas vite lassé de tous ces rebondissement qui ne passionnent jamais. Ce n’est jamais fun, ça manque de souffle et on se fout royalement de tout ce petit monde qui se court sans arrêt après.

La volonté des cinéastes d’ériger un univers SF foisonnant et référentiel (on pense quand même beaucoup à Star Wars et à bien d’autres films comme Blade Runner sur certains plans et cadrages) ne convainc pas une seule seconde à cause de quelques défauts d’une taille astrale : le coté pastiche assumé, le récit ultra codifié et les nombreux clins d’oeils (Brazil de Terry Gilliam, ce dernier fait même une courte apparition) occupent une place primordiale là ou ils auraient du être au second plan. Du coup, on suit des séquences sans substance et sans saveur dégoulinant de beaux et bons sentiments (mais pas que car il y a aussi des méchants !), et on se demande si la scène d’après sera d’aussi mauvais goût que celle que nous découvrons … De ce coté là, le film sera plutôt cohérent et tiendra toutes ses promesses …

Il y a beau avoir un potentiel énorme sur l’univers présenté, les enjeux dramatiques autour de la quête de la jeunesse éternel (1) et de l’exploitation des humains par une race supérieure, les Wachowski se contentent d’élaborer dans leur scénario, comme à leur habitude, une énième déclinaison d’un type d’histoire que l’on connaît tous : l’aventure messianique ou un personnage lambda découvrira qu’il a une destinée de héros – ici, Jupiter – accouplée à une histoire d’amour avec ses travers et ses rebondissements. Vite lassé par le mécanisme binaire de l’intrigue, les personnages écrits à la truelle enfoncent le clou et désamorcent définitivement toute implication émotionnelle !

Il est strictement impossible de s’attacher à eux et je suis sidéré par le cabotinage de certains, la palme du ridicule revenant à Eddie Redmayne en Balem Abrasax qui surjoue chaque mot de chaque réplique ! Et concernant les protagonistes, c’est quand même regrettable de voir ce duo d’acteurs – Mila Kunis et Channing Tatum – s’engouffrer dans de telles caricatures car ils vont, dans l’absolu, plutôt bien ensemble. S’ils ont le physique de l’emploi, ils ne sont malheureusement jamais dirigés et ça se ressent beaucoup trop souvent.

Superficielle au possible, leur relation est un peu à l’image de ce montage pataud qui use souvent d’ellipses maladroites et barbares. On a l’impression que la durée du film a été réduite à son minimum parce qu’avec tous ces personnages, les cinéastes ont certainement du écrire une fresque bien plus longue que celle que l’on a à l’écran. Résultat des courses, on tente de nous faire boire une soupe opera abondamment épicée de stéréotypes du cinéma de genre et populaire (romance, action, récit d’aventure, parodie, tragédie, etc), en faisant fi de l’art de la cuisson et de l’assaisonnement.

Si charcutage il y a eu, cette version ne rend en tout cas pas hommage à la mythologie qu’ils tentent de nous offrir si généreusement. Mythologie farfelue et déconcertante qui mélangent paysage terrestre, technologie de science fiction, villes extra-planétaires chamarrées aux design futuristes ou exotiques, décors aux architectures romaines, gothiques ou de la renaissance suivant le lieu ou l’on se trouve, costumes et coiffures sophistiqués et excentriques à l’excès, ornementation typée art déco sur certains vaisseaux et bestiaire extraterrestre improbable à base de reptiles ailés et races hybrides entre humains et animaux.

Je suis plus que mitigé face à cet imaginaire kitsch et volontairement extravagant qui, comme tout le reste, ne convainc pas des masses. On aimerait tellement s’amuser autant qu’ils ont du s’amuser à le réaliser – je n’en doute pas, mais le manque de cohérence, de personnalité, d’épaisseur psychologique pour les personnages et de rigueur narrative empêchent toute alchimie possible.

Le monde sous nos yeux est beaucoup trop riche et dense pour être expédier en tout juste deux heures. Jamais les cinéastes ne prennent le temps de développer l’aspect littéraire et romanesque de leur métrage : la présentation et les motivations de chaque personnage est sommaire et bâclé, et toute la dimension politique, historique et tragique qui entoure les Abrasax est à peine esquissée, si bien qu’on ne se sent jamais menacé ou impressionné par leur puissance, et encore moins inquiété ou investit émotionnellement par les conflits qui existent entre eux  !

De plus, trop conscient de ses effets et de sa volonté de mixer des cultures, des symboles, des mythes et des contes (Jupiter est aussi une figure de Cendrillon) d’horizons différents, Jupiter Ascending ne parvient jamais à s’imposer comme un objet de fascination ou plus humblement comme une sympathique pépite filmique décomplexée de pur fantasy : contrairement à Matrix ou Cloud Atlas, les Wachowski n’ont pas su trouver le bon ton, la bonne formule pour donner vie à leur monde féticho-mosaïquo-numérique. Ce spectacle épique, cosmique et halluciné, pur produit de la pop-culture, est certes traversé de milles influences mais sa facture complètement anecdotique ne lui permettra pas d’entrer dans la famille des ‘films cultes’.

A moins de le redécouvrir dans un director’s cut digne de ce nom et lui laisser ainsi une seconde chance, je n’ai pu me contenter, dans cette version ciné, que de la qualité des effets spéciaux, de certaines scènes d’actions (magnifique course-poursuite aérienne dans la ville de Chicago) et de quelques plans esthétiquement intéressants pour ne pas rejeter complètement le film. Et je me demande bien vers quel projet vont se tourner les cinéastes car je ne vois pas du tout Jupiter Ascending avoir un succès à l’international, même si je lui souhaite tout le contraire : même raté, le film à la mérite d’être touchant et de proposer quelque chose d’originale.

Cette oeuvre est sensée être la première d’une saga mais je ne vois pas comment elle peut concurrencer les Star Wars à venir (qui, rappelons le, s’en inspire déjà allègrement !), ainsi que les suites d’Avatar de James Cameron prévu pour fin 2017. Dans un genre similaire, même le récent Gardiens de la galaxie de James Gunn – une des grosses surprises de l’année dernière – fait passer le travail des Wachowski pour des amateurs geeks de seconde zone. En résumé, Jupiter Ascending satisfera à n’en point douté les moins de seize ans qui n’ont vu aucun film des cinéastes … Pour tous les autres, mieux vaut se contenter de retourner dans la matrice !

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Ecrit et publié par Mathieu Breuillon

(1) – le temps est d’ailleurs un élément narratif ou de motivation cher aux cinéastes : Cloud Atlas, leur précédent métrage, développe un rapport évident avec le temps dans son montage cyclique et vertigineux.

BANDE ANNONCE :

AVANT D’ALLER DORMIR de Rowan Joffe

 / 7

UK, France, Suède – Drame, thriller, mystère – Date de sortie : 24/09/2014 – Durée : 01h32

Avec : Nicole Kidman, Colin Firth, Mark Strong

Résumé : Suite à un accident quatorze ans plus tôt, Christine est affectée d’un cas très rare d’amnésie : chaque matin, elle se réveille sans se souvenir de rien, ni même de son identité. Son dernier espoir réside dans son médecin, Ed Nasch, qui lui conseille de tenir un journal vidéo. Elle pourra ainsi enregistrer les informations qu’elle traque et se souvenir peu à peu de son passé, reconstituant progressivement le fil de son existence. Mais très vite, ses rares certitudes vont voler en éclat.

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AVANT D’ALLER DORMIR – Le grand sommeil !

Pur produit du post-modernisme, Avant d’aller dormir puise autant dans Blow up de Michelangelo Antonioni, Memento de Christopher Nolan mais également dans Amour et amnésie de Peter Segal avec cette histoire de femme amnésique qui revit sans arrêt le même jour sans se souvenir du précédent. Mais si Christine Lucas emprunte le même profil psychologique que Lucy Whitmore, le cinéaste Rowan Joffe exploite la partie sombre de ce symptôme en dirigeant une Nicole Kidman impeccablement habité par son personnage en orchestrant, malheureusement, un thriller assez maladroit porté par un scénario bancal qui préfère l’enchaînement des twists et des révélations à l’exploration de la psyché de ses personnages.

Dans sa construction, le récit dévoile ses cartes une à une en faisant habilement semer le doute au spectateur sur la véracité des événements contés par le mari, unique repère de Christine dans la maison ou elle vit. On se pose les mêmes questions qu’elle sur les versions et les images qui nous sont montrées et on se demande constamment où peut bien être le mensonge et où se trouve la vérité. Au fil de ses découvertes, on doutera comme elle de son entourage en ne se fiant qu’à moitié des témoignages de son mari et de son docteur, seuls liens qu’elle a avec le monde réel et son quotidien. L’image photographique et la vidéo enregistrée feront resurgir un à un ses souvenirs enfouis dans son inconscient et l’aideront alors à comprendre qu’on la manipule pour des raisons qu’elle ignore en partie.

Seulement, Avant d’aller dormir est beaucoup plus passionnant dans ses thématiques et le sujet qu’il aborde (l’amnésie et le trouble mentale du protagoniste) que dans son histoire. Ainsi, toute la psychologie des personnages passe à la trappe et les grosses ficelles scénaristiques convergent, dans la dernière partie, vers un happy-end lacrymal et consensuel qui annihile le peu d’intérêt et de sympathie qu’on aurait pu avoir pour ce thriller qui avait pourtant de quoi captiver sur le papier. Car le personnage de Ben Lucas, qui souffre d’un trouble tout aussi intéressant que celui de Christine, aurait mérité lui aussi un bien meilleur traitement et une place encore plus importante au sein de l’intrigue.

Si Rowan Joffe s’était appliqué à développer un sous-texte et s’il était porté par une réelle ‘vision’ avec ce projet, il aurait pu illustrer une profonde réflexion sur la jalousie, la violence et la domination masculine, en utilisant à meilleur escient les ressorts dramatiques, même si Colin Firth campe un parfait mari aimant et énigmatique. Le cinéaste, soucieux de plaire au plus grand nombre, fait de l’ultime révélation le clou du spectacle qui n’étonne plus tellement quand tombe enfin la vérité.

Et ce final, qui se devine donc aisément, résout sans grande finesse le mystère entretenue jusque là en plus de ne produire aucun effet sur le cinéphile qui s’est gavé de thriller tel qu’Usual Suspect ou autres oeuvres comme celles citées plus haut. J’ai vraiment été déçu par la dernière scène qui se vautre dans un pathos indigeste et qui énerve encore plus quand on perçoit le véritable potentiel du film !

Si la séance est déjà loin derrière moi, je ne garderais en mémoire que la tenue visuelle particulièrement bien soignée qui instaure une ambiance tendu et claustrophobique en phase avec l’état psychologique du protagoniste. Au delà de ça, Avant d’aller dormir fatigue assez vite par son manque d’idée, son absence d’originalité et son incapacité à exploiter un matériau de base pourtant foisonnant qui ne demandait qu’à s’épanouir à travers le regard d’un auteur plus inspiré. Paresseux, Rowan Joffe prouve, avec ce thriller soporifique, qu’il n’était pas bien réveillé et encore moins ‘éveillé’ pour mener à bien cette production …

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Ecrit et publié par Mathieu Breuillon

BANDE ANNONCE :

2EME SOUS-SOL de Frank Khalfoun

2EME SOUS-SOL (P2) de Frank Khalfoun

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U.S.A. [2007] – Thriller, horreur – Durée : 01h38

Avec  : Rachel Nichols, Wes Bentley, Simon Reynolds

Résumé : Le soir de Noël. Angela reste tard au bureau pour finaliser un contrat. Elle descend au parking pour prendre sa voiture qui ne démarre plus. Le gardien du parking lui vient en aide et lui propose de venir prendre un petit verre. Après lui avoir ri au nez, elle perd connaissance pour se réveiller ligotée dans la loge du gardien, bien décidé à la garder pour le réveillon.

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A gauche en sortant de l’ascenseur …

AVIS : Pour fêter Noël avec la fille qu’il convoite, Thomas n’est pas le plus attentionnés et aimables des garçons, et c’est finalement tant mieux pour le cinéphile avide de sensations fortes que je suis ! Et puis comme je n’ai jamais frissonné dans les sous sols d’un immeuble, je me suis dis « allons-y ! Advienne que pourra » !…

Avez vous remarqués que les films d’horreurs se complaisent souvent à évoquer les lieux de l’action directement dans leur titre pour ne pas paumer le cinéphile mal orienté ? Amityville, Hostel, Le cimetierre des morts vivants, L’orphelinat, La dernière maison sur la gauche, La maison de l’horreur, La maison des 1000 morts, Titanic, etc etc. En ce qui concerne 2ème sous-sol écrit par Khalfoun, Aja et Levasseur, le titre Thomas est amoureux était déjà pris donc les auteurs ont une très bonne excuse pour ce coup là !

Bon ! N’y allons pas par quatre chemins ! Au bout d’un quart d’heure, il n’y a pas besoin d’être une lumière pour s’apercevoir que le film a été écrit avec les pieds (si je fais les comptes, ils sont 6 pieds sous terre …). Et comme on sait qu’ils étaient trois pour écrire le scénario, je crois bien que c’est cela qui fait le plus flipper dans le film, en fait ! A quand un livre intitulé « La dramaturgie pour les Nuls dédié aux cinéastes d’horreur sans inspiration » ? Pourquoi ses trois grands garçons s’en tiennent ils à la trame la plus usitée du monde, avec, pour seule originalité (comprendre ‘idée’), un simple décor à exploiter plus en large qu’en long où s’agite une charmante idiote poursuivit par un psychopathe en manque d’amour ?

Car si je fais le bilan quand tombe le générique, je suis consterné ! Niveau psychologie ? Zéro. La persécutée comme le persécuteur récitent des textes archi convenus et les motivations psychopathologiques de ce dernier n’ont aucune crédibilité dans ses propos et ses agissements. Tension et suspense ? Zéro. Aucune séquence vraiment angoissante si ce n’est à la fin de la première heure quand un ascenseur se transforme en piscine. Le huis clos n’est jamais exploité donc on s’ennuie assez vite. Scènes sanglantes ? Tout juste trois.

Heureusement, j’ai pu frissonner le temps de quelques secondes car quand ça saigne et ça cogne, c’est très frontal et percutant et on a mal pour les personnages : dommage que dans les courts instants qui suivent, le malaise se brise soudainement à cause des dialogues et réactions vraiment stupides. Ca n’aura pas duré très longtemps mais j’aurais au moins le sentiment de ne pas avoir perdu mon temps en contemplant avec délectation ma dose de sang et de violence brutale ! En fait, c’est en soit assez dure de perdre son temps quand la splendide Rachel Nichols courent dans tous les sens pour sauver sa peau … splendeur vêtue bien évidemment d’une simple et magnifique robe blanche, trempée les deux tiers du film (grâce à l’ascenseur-piscine), avec, en plongée, une très belle vue sur la mère !

C’est normal en même temps de devenir complètement fou quand on passe ses jours et ses nuits à observer une employée aussi canon qu’Angela (même pour le prénom ils ne sont pas foulé dis donc !). Comment ne pas tomber amoureux !! Physiquement et techniquement, Rachel Nichols est tout à fait taillée pour ce genre de rôle et je regrette vraiment l’incompétence des scénaristes qui n’ont eut aucune inspiration pour la caractérisation des personnages et les mises en situation.

Si j’ai voulu regarder ce film pas tellement recommandé sur le net aux vues des notes plus que mitigées qu’il se paye, c’est essentiellement pour la plastique absolument parfaite et la suave bestialité de l’actrice qui sait réellement bouger et se mouvoir devant une caméra. C’est d’ailleurs pour ces qualités précises qu’elle avait été choisit pour remplacer Jennifer Gardner, alors enceinte, dans la dernière saison d’Alias, série télévisée de J.J. Abrams qui laissait la part belle à ses héroïnes. Mais aussi parce que, des mêmes auteurs, j’avais beaucoup aimé leur récent Maniac sortit l’année dernière, remake d’un film du même nom de William Lustig réalisé en 1980 (1). Au moins, il est plaisant de constater qu’ils ont artistiquement évolués.

Visuellement, le film est plutôt soigné et pour une première réalisation, Frank Khalfoun ne démérite pas. Si l’ultime scène d’action manque un poil de rythme et de réalisme, on peut le féliciter pour les scènes sanglantes d’une belle efficacité : les effets spéciaux sont eux aussi très réussit et je me console donc sur ces menus détails afin de me persuader que je n’ai pas perdu mon temps … Et merci Rachel !

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Ecrit et publié par Mathieu Breuillon

BANDE ANNONCE :

MALEFIQUE de Robert Stromberg

 / 7

U.S.A. – Fantastique, comédie, action, drame – Date de sortie : 28/05/2014 – Durée : 01h37 – Titre original : MALEFICENT

Avec : Angelina Jolie, Elle Fanning, Sharlto Copley

Résumé : Maléfique est une belle jeune femme au coeur pur qui mène une  vie idyllique au sein d’une paisible forêt dans un royaume où règnent le bonheur et l’harmonie. Un jour, une armée d’envahisseurs menace les frontières du pays et Maléfique, n’écoutant que son courage, s’élève en féroce protectrice de cette terre. Dans cette lutte acharnée, une personne en qui elle avait foi va la trahir, déclenchant en elle une souffrance à nulle autre pareille qui va petit à petit transformer son coeur pur en un coeur de pierre. Bien décidée à se venger, elle s’engage dans une bataille épique avec le successeur du roi, jetant une terrible malédiction sur sa fille qui vient de naître, Aurore.

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AVIS : Aussi prometteur soit il sur le papier, Maléfique n’est rien d’autre qu’un film destiné aux enfants. Pourtant, l’idée de départ était tout à fait honorable. Mais malheureusement, Disney use de sa magie infantile et abrutissante sans jamais avoir un regard adulte et mature sur le propos qu’elle développe. Alors on a beau sourire devant tout les clins d’oeil au conte de La belle au bois dormant qu’elle produisit en 1959, le film ne fait que s’enfoncer du début à la fin dans des poncifs et des clichés aussi éhontés que consternants. Jamais le film ne traite de l’ambivalence du bien et du mal, aucun personnage n’est travaillé en profondeur, les protagonistes étant de simples archétypes figés dans la narration jusqu’à la révélation finale qu’on devine aisément.

Pour faire simple, Maléfique a été conçu par un adulte, écrit et réalisé par de jeunes adolescents et destiné à des enfants. Outre les facilités et incohérences de scénario, même le cinéaste Robert Stromberg, pourtant réputé pour son travail sur les effets spéciaux (L’odyssée de Pi, La route, G.I. Joe, Pirates des Caraïbes, etc), n’a aucune idée de mise en scène et fait preuve d’un amateurisme qu’on ne retrouve nulle part ailleurs : c’est plat, c’est moche et c’est chiant !

Reste une Anjelina Jolie plutôt convaincante, une photographie soignée et une direction artistique assez élégante pour faire passer la pilule … A condition de ne pas trop s’attarder sur le bestiaire qui frise souvent le ridicule. Pour finir sur une note positive, « A voir en famille, seulement si vos enfants ont entre deux et huit ans ! »

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Ecrit et publié par Mathieu Breuillon

BANDE ANNONCE :

THE BLING RING de Sofia Coppola

 / 7

U.S.A. – Drame (01h30) – Date de sortie : 12/06/2013

Avec : Israel Broussard, Emma Watson, Katie Chang, Taissa Farmiga

Résumé : À Los Angeles, un groupe d’adolescents fascinés par le people et l’univers des marques traque via Internet l’agenda des célébrités pour cambrioler leurs résidences. Ils subtiliseront pour plus de 3 millions de dollars d’objets de luxe : bijoux, vêtements, chaussures, etc. Parmi leurs victimes, on trouve Paris Hilton, Orlando Bloom et Rachel Bilson. Les médias ont surnommé ce gang, le « Bling Ring ».

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THE BLING RING – Filles perdues, cheveux classes !

Séduit par un fait divers publié dans Vanity Fair intitulé « The Suspects Wore Louboutins » (Les suspects portaient des Louboutins), Sofia Coppola s’inspire dans The bling ring d’une histoire vraie concernant cinq adolescentes californiennes qui défraya la chronique entre 2008 et 2009 en dérobant plus de trois millions de dollars en bien dans les maisons de stars à Los Angeles. Elle adapte cet événement à sa sauce en optant pour ce ton à la fois fashion et candide qu’on lui connaît bien. Jusque là, rien de bien neuf ! On est en terrain connu et on espère juste que Sofia Coppola posera un regard critique sur cette jeunesse qu’elle adore filmer …

Mais malheureusement, il ne faut guère plus d’une demi-heure pour se rendre compte qu’elle passe à coté de son sujet.

Sofia Coppola sait qu’elle a une façon de filmer mais n’a pas trop l’air de savoir ce qu’elle doit raconter. Ce qui faisait d’ailleurs le charme de ses premiers films commence à s’estomper car son regard à la fois tendre et naïf de la jeunesse américaine ne dépasse tout simplement pas l’exercice de style. Cette légèreté très primesautière et certes très communicative sent ici l’artifice à plein nez car sa caméra se contente juste de suivre les aventures de ces fêtardes cambrioleuses qui semblent tout a fait ordinaire dans leur occupation quotidienne.

Les actrices, point fort de The Bling ring, composent de parfaites petites adolescentes aussi sympathiques que superficielles, à l’image de leur discours et du visuel du film. Entre les vols et les pistes de danse, elles fument des joints, boivent de l’alcool, évoquent les potins de stars et se contemplent dans le miroir avec leur garde robe très vite renouvelée. La routine quoi !

Leur amitié avec Mark, un mignon jouvenceau très vite décomplexé par son physique quand il intègre la bande de la ravissante Amanda (premier grand rôle pour la très belle Katie Chang), reflète parfaitement les liens qui unissent chacun des protagonistes : s’il devient leur ami c’est surtout parce qu’il a accès à l’adresse des stars grâce à son père qui travaille dans la sécurité des maisons des peoples du tout Hollywood. Cet amitié aussi factice qu’utilitariste illustre plutôt bien la société de consommation et leur obsession de vouloir à tout prix ressembler à leurs stars préférées.

Leur petit univers idyllique est parfaitement magnifié par une photographie spectrale et lumineuse qui retranscrit plutôt bien le monde clos et féerique dans lequel les personnages évoluent. Elles vivent un rêve éveillé ou tout est possible, se prennent vraiment pour leurs idoles et ne se soucient pas de savoir ou est le bien et le mal dans leurs actes. Mark semble le seul au tout début du film à être choqué par la cleptomanie compulsive d’Amanda mais il l’acceptera finalement très vite quand il commence à goûter lui même aux plaisirs de la cambriole.

Mais Sofia Coppola n’interroge jamais les agissement de ses protagonistes. Si bien que le rythme du film s’articule toujours autour de séquences identiques qui finissent très vite par lasser : discussions entre filles + fêtes + shopping nocturne … et rebelotte. Ne se souciant pas de ce qui les pousse à agir de la sorte, The bling ring se contente d’aligner froidement et mécaniquement ces scènes les unes à la suites des autres, renvoyant le film à un docu-fiction mixé à un teenage-movie dont la thématique serait « pourquoi acheter quand on peut prendre ? ». Ce point de vue faussement ethnologique qui faisait tout l’attrait du film sur la papier n’apporte malheureusement aucune réflexion sur le sujet. Car The Bling ring ne soulève finalement aucune question et n’offre encore moins de réponse.

C’était d’ailleurs étrangement aussi le gros défaut de Spring Breakers de Harmony Korine sortit en mars dernier. Sur un sujet similaire et sans aucune pertinence, ces deux métrages ne font que survoler la mentalité de cette jeunesse américaine hédoniste dépourvue de toute morale, faisant du consumérisme et de la jouissance la règle d’or. Les deux cinéastes se contentent de récupérer des phénomènes sociologiques à des fins esthétiques et jamais, dans leur récit respectif, on ne les sent impliqués par les causes profondes d’un tel agissement.

Ils capitalisent ainsi tous les deux sur une imagerie séduisante et sur le charme de leurs actrices, ramenant la thématique du récit au plan secondaire voire à l’anecdotique. Dans la démarche artistique de Coppola et Korine, l’absence de repère de cette génération et la vacuité intellectuelle de leurs personnages ne servent qu’à ériger un imaginaire auteurisant et à travers leurs oeuvres, ils ne font que reproduire bêtement et simplement des miroirs dans lesquels ils se regardent briller.

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Ecrit et publié par Mathieu Breuillon

BANDE ANNONCE :